一個小便池是藝術品嗎？

徐旭

當逛完英國國家美術館，身心都浸潤在古典之美中，和諧、優(yōu)美、崇高。再進到泰特現(xiàn)代藝術館，你會產生被狠狠撞擊的眩暈感。 　　泰特現(xiàn)代藝術館是由一座發(fā)電站改建而成，于2000年正式對公眾開放。展館的建筑語言已經向你展示了現(xiàn)代的氣息。 巨大的空間，冰冷的素水泥墻面地面，裸露的鋼梁鋼柱鋼鉚釘……都在抹去功能之外的裝飾之美。 　　從開展以后，泰特現(xiàn)代(Tate Modern)一直是世界上最受歡迎的現(xiàn)當代藝術博物館。每年超過500萬觀眾到訪。 泰特現(xiàn)代的展品不同于絕大多數(shù)美術館的年表陳列方式，而以主題陳列的方式展示藝術品。泰特現(xiàn)代把藝術品分成四大類：歷史—記憶—社會、裸體人像—行動—身體、風景—材料—環(huán)境、靜物—實物—真實生活。也就是說，策展人的觀點已經直接影響觀眾，當然，觀眾也能在每個主題展館看到不同時期和年代的同一主題的作品。 　　這是著名的馬塞爾·杜尚的《泉》。 你沒看錯，這就是一個平放的工廠生產的普通的陶瓷小便池。杜尚用化名Mutt簽在小便池的側壁上，并寫下了創(chuàng)作年份1917。同年他將這個作品提交給新成立的紐約獨立藝術家協(xié)會。雖然協(xié)會規(guī)定任何形式的作品都可以被展示，但他們拒絕了《泉》，認為它不雅且算不上藝術品。隨后，杜尚在他的達達主義期刊中匿名為自己的作品辯護：《泉》，不是不道德的。您每天都在五金店的櫥窗中看到陳列的小便池。創(chuàng)作者是否親手制作了它并不重要，重要的是他選擇了它，并將它放在一個全新的標題和觀點下。由此小便池原先被使用的意義消失了，取而代之的是新的思想與意義。 杜尚后來解釋說，他想測試社會對不符合傳統(tǒng)美學或道德標準的藝術品的開放性。《泉》中體現(xiàn)的自由以及“任何物品都可以成為藝術品”的原則使杜尚成為二十世紀最有影響力的藝術家。 左圖是安格爾的《泉》，體現(xiàn)了古典主義永恒之美。右圖被杜尚名命為《泉》這一行為本身也充滿對古典美學及古典傳統(tǒng)的挑釁和嘲弄。 　　來自哥倫比亞的多麗絲·薩爾賽多大部分作品都是反映她家鄉(xiāng)的長期沖突和暴力。她與暴力受害者共度時光，傾聽他們的經歷。薩爾塞多使用廢棄的醫(yī)院家具來冥想生命和死亡的循環(huán)。各種嬰兒床和婦科醫(yī)師的腳凳被切割并重新組裝，以產生令人不安的結構。(如果不讀說明，你能感覺到什么嗎？我只感覺到奇怪、不合諧、不安。) 　　來自韓國的楊海固Haegue Yang，經常使用家居用品進行創(chuàng)作，并對其進行改造。這個懸掛的雕塑《三重塔,擴展23倍，平均分三份》是由500多個百葉簾制成的。她的選擇顯示了百葉窗的多種可能性。呈現(xiàn)出特殊的復雜性，別具匠心、獨樹一幟。 來自日本的高松次郎（Jiro Takamatsu）的雕塑作品探索了雪松木和混凝土等材料的固有特性。他和他的學生使用金屬和木材等原材料，將作品放在地板上或靠在墻壁上，而不是使用基座或框架。他們希望通過對材料進行最少的干預來展示世界，而不是``創(chuàng)造''物體。 這些作品屬于高松次郎的“一體性”系列，他在其中探索了日常材料的復雜性和共鳴。該系列可以理解為高松對戰(zhàn)后日本快速工業(yè)化的評論，當時消費文化的發(fā)展已取代了與自然世界的傳統(tǒng)關系。 　　 來自墨西哥的馬格勒斯(Margolles)《國旗1號》。作品的布面上有墨西哥北部邊境謀殺現(xiàn)場的血跡、泥土的痕跡，這證明了與販毒集團有關的數(shù)千起暴力死亡事件。藝術家在2009年威尼斯雙年展上展出了這幅作品，用一個名為“我們還能談些什么?”的展覽來代表墨西哥。由于政府未介入反毒品戰(zhàn)爭，這塊血跡斑斑的布被懸掛在墨西哥館外，以紀念被墨西哥忽視的受難者。 時光流逝，這塊布上的血跡已不可辨，只有說明書上的觀念還在。 　　巨大的裝置《雄鹿與閃電》。懸掛的青銅三角形體現(xiàn)出閃電般強大的能量，照亮了一群地面生物。銀色鋁制的物品代表“雄鹿”，地板上的青銅塊化表原始生物。 我沒看明白。但被作品的巨大和丑撞擊了。 　　這個作品是馬卡利斯的《巴別塔》，由數(shù)百個老式收音機、錄放機、小音箱等搭建而成。不同的機器放出不同的話語，不同的音樂，不同的聲響；不同的機器閃爍著不同頻的光亮；嘈雜紛亂。 《圣經》里面巴別塔的故事說人類合力建造巴別塔可以到達天堂，這行為冒犯了上帝，上帝就讓這些建造者說不同的語言，使其無法溝通，并形成人類所有沖突的根源。建造巴別塔的企圖也歸于失敗。 這座塔富含隱喻。 　　 這一部分展示的都是文本類作品。 這組作品是爭取女權的。 　　上圖中寫著“女人是否只有被剝光才進得了大都會博物館？”“在當代藝術家中只有不到4%是女性，但作品中76%的裸體都是女性。” 配圖的身體是古典藝術中的女性身體換了個猩猩的頭。 　　 這也是一幅作品，就寫了幾個字: “我陳列、展示我的苦難。” 這是數(shù)十楨相同照片拼成的作品。上面寫著“沒有牙齒？一把胡子？聞起來象臭狗屎？這就是波西米亞女孩！”照片上的女孩直視你: 我就這樣，你要怎樣？！ 　　這是打印的箴言匯成的彩色條幅。很巨大的作品。 　　這一墻的文本好象是關于二戰(zhàn)后倫敦一個小社區(qū)解決住房問題的口述。 這些“大字報”、“小字報”，我們文革時可沒少見。和藝術沾邊兒嗎？ 　　還真看到有文革氣息的畫----中國畫家王廣義的《大批判》。王廣義的《大批判》是個系列，都是文革構圖，工農兵加上一個外國著名品牌，要么是可口可樂，要么古馳，這幅里是施沃奇。是表示中國與西方的碰撞與融合的荒誕嗎？ 不管是什么，反正夠丑。 　　荷蘭畫家皮特·蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）的作品。他的畫，線條清晰，界限分明，不同的色塊讓人很舒服，沒有排斥感。蒙德里安經歷過兩次世界大戰(zhàn)，憎惡戰(zhàn)爭但又無可奈何。于是他將“理性思考、熱情、憤怒、良善、厭惡”等等情緒用線條區(qū)分開，試圖讓心情變得更好。 　　有人說，蒙德里安的畫回答了一個富有哲學意味的問題：當畫面擺脫了實在的內容之后，是否還有美存在？ 他的畫告訴我們，“構圖”本身就充滿藝術感，也能帶來獨特的美的體驗。 　　下面這些作品都是同一大類別的。 　　到克萊因這里，連構圖也舍棄了，只有顏色，而且只有一種顏色----克萊因藍。這是伊芙·克萊因的作品《IKB79》。畫面深邃、純粹而神秘。雖然只是一片藍色，卻顯得富有層次。如果從遠處凝視畫面，你會發(fā)現(xiàn)自己逐漸放空，又漸漸被吸入，仿佛融進了這個藍色的虛空里。 評論家說，克萊因的繪畫完全擺脫了色彩本身的悅目和諧等視覺心理學效應，從而進入了純粹精神性的觀念領域。 克萊因在1957年注冊為這個藍色的商標顏色。他認為該顏色具有接近純凈空間的質量，并且將其與看不見或觸及之外的非物質價值聯(lián)系在一起。 2012年為了紀念克萊因逝世五十周年，歐元區(qū)還特別發(fā)行了紀念幣以紀念克萊因所創(chuàng)造的夢幻色彩及其在藝術領域取得的巨大成就。 　　這組作品的色彩也很美，細看肌理也有豐富的層次。 　　這樣尺幅的作品很難不震到你。 　　 作品太多了。但這些已經足可以傳遞現(xiàn)當代藝術的總體感覺了。 　　其實在觀展之前，美術館就提示觀眾： “你不必喜歡所有的藝術品，也許它們會讓你質疑到底什么是藝術？所以你可以繼續(xù)思考：1：你看到這件作品的第一反應是什么？為什么它會讓你有這種感受？2：它是什么做成的？為什么藝術家選擇這種材料？3：作品的大小是否會影響你的體驗？4：藝術家是哪個國家\地區(qū)的呢？他生活在什么樣的一個年代？這種時代背景是如何影響他的呢？5：你覺得這個作品關于什么？ 我們鼓勵年輕人探索藝術和想法。” 曾經讀到過關于藝術品的定義。大義是判斷某一物品是否是藝術品，一是它是否給觀眾帶來美學體驗？二是制造者主觀上在創(chuàng)作中想給觀眾帶來美學體驗？三是作品是否體現(xiàn)了創(chuàng)作的特殊技藝？符合這三點就可稱之為藝術品。符合度越高則是越優(yōu)秀的藝術品。 顯然，現(xiàn)當代的很多作品是對這一定義的顛覆。一直有哲學家呼吁，不要用藝術來稱呼現(xiàn)當代作品，這既是對古典藝術的冒犯，也不利于現(xiàn)當代作品的發(fā)展，應該給他們另取一個名字。 我覺得這樣也好，玩觀念的就只管撒Y玩觀念，就不要用個小便池，還非要命名為《泉》，去羞辱安格爾的《泉》，去玩弄觀眾對藝術的虔誠。 　　胡說一通。這是觀展的樂趣所在: 我看到了，我在想……

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