很少寫“科普”性的文章。這次應一份與攝影無關的雜志的邀請與不太熟悉攝影的朋友聊聊可以從哪些角度去鑒賞一幅攝影作品 - 主要是風光與自然作品。文章年底前出刊，我先拿來放在《攝影范談》專欄中饋贈我攝影圈的朋友。今天互聯網上的美片如云，讓人看得眼花繚亂；隨便一張片子便是某某大師的獲獎作品，更讓人無所適從。攝影是一種視覺的藝術。既然是藝術當然就沒有刻板的規范，但是一張攝影作品的優劣還大概是有跡可循的。<br><br><b>作品的技術性</b><br><br>每一張攝影作品都是技術與藝術的結晶。技術性是對攝影作品最基本的要求 – 今天如果一張圖片的聚焦不清，曝光過度或者曝光不足，畫質很差的話就很難稱得上好作品，除非它記載了一個獨一無二的歷史性瞬間。曾幾何時，關于這些技術問題能寫本書，而今天這些最基本的攝影技術錯誤已經越來越少見了；一方面是因為大眾的攝影技術水平在提高，另一方面也是因為我們手中的相機或者手機變得越來越聰明了，很難讓你犯一些以前常犯的低級錯誤。<br><br>現在比較常見的錯誤是取景或者后期方面的錯誤：比如地平線不水平、建筑物不垂直（除非是有意的）、色彩過度或者嚴重偏色、反差過度等等。這些嚴重的技術錯誤直接影響一張作品的感染力，讓人的第一反應便是是皺眉頭。<br><br>不懂攝影的朋友遇見一幅作品常常會有兩個問題：除了“這是你拍的嗎”？；便是“這是用什么相機和鏡頭拍的”？遇到這兩個問題通常會讓真正的攝影師非常不耐煩，就像整天問書法家用的什么毛筆一樣。很多人錯誤地認為一張美輪美奐的圖片一定是用高檔器材拍攝的，可是當他們一擲千金購買了高檔的攝影器材，發現拍出來的圖片還遠遠不如智能手機拍攝的圖片；更糟糕的是手中的器材越昂貴，照片可能越差勁。這是因為越是專業的器材就越需要專門的攝影技術去駕馭 – 從器材操作到后期處理；而智能手機則將所有的過程自動化了。我常常規勸身邊的攝影師簡化隨身攜帶的器材，你是不是需要更好的器材你自己以后會知道的。<br> <h3 style="text-align: center">2022年秋攝于科羅拉多</h3> 一個好攝影師要精通分辨率，飽和度，寬容度等等技術性的知識；也需要專業水準的器材，它給攝影師創意的發揮帶來更多的空間。然而攝影技術只是基本功，是藝術的載體，而不是攝影藝術的本身。今天披掛整齊、扛著天價器材的攝影師已是戶外一景 - 世界上最昂貴的相機大多數都被華人攝影師消費了。這是一個用手機都可以出佳作的時代，器材對作品的影響已經越來越小了，我們甚至很快會進入一個不用相機便能成像的AI攝影時代。任何藝術作品都要通過它的內涵來打動人，而不是那些外在唬人的東西。<br><br><b>作品的藝術性</b><br><br>好的作品一定具有藝術性，它一定會給觀眾帶來某種情緒上的觸動 - 當然你沒有被感動不代表別人不會被感動。但攝影是視覺的藝術，如果一張作品連誰也感動不了，要靠作者的長篇大論來告訴讀者該怎么去被感動的話，卻十有八九是作者敝帚自珍了。<br><br>美感是最普遍的情緒，一張美輪美奐的作品給人帶來的視覺上的震撼是一種實實在在的感受。但人類是高等智慧生物，我們的情緒除了對美的喜愛之外還有悲哀、恐懼、憤怒、意外和厭惡等等豐富的狀態，更有我們人性所特有的無聲的共鳴。如果一個攝影師的每張作品只能給你帶來美感而沒有更深刻更復雜的感受，只能說明作者的藝術風格唯美而單調。<br> <h3 style="text-align: center">2022年秋攝于科羅拉多</h3> 相反如果一位大拿告訴你一張美輪美奐的作品不算藝術，那他也一定不懂藝術。對美的欣賞是眼光，對美的創造卻是藝術。美與不美是藝術語言上的差異，是作者在有能力體現極致之美的前提下的個人選擇。這種選擇不應該用來給自己慘不忍睹的作品蒙上一層虛無縹緲的光輝。有空我們應該去藝術館看看畢加索早期的作品，你就會感受到他深厚的藝術功底，了解到他的創作并不是簡單地涂鴉。如果你感覺一張作品還真的不如你一張手機的隨拍，毫無情緒上的觸動，可能它還就真的不如你的手機片。在這個自我陶醉的時代，不吹上天去的似乎都不能算得上作品，而讀者的第一感覺往往就是正確的。<br><br><b>作品的獨特性</b><br><br>決定藝術作品價值一個極端重要的因素就是它的獨特性。攝影更是有別于其它視覺藝術的門類：它的成像過程極其簡單，甚至連快門都不用自己去按便能成像。缺乏獨特性的攝影比其他的藝術更糟糕 - 更像復印機的產物，盡管這樣的復制也可能具有完美的技術性和藝術性，所以我常常在《攝影范談》中說同質化是攝影藝術的頭號殺手。<br><br>什么是作品？這個問題看似簡單：自己制作的便是作品。但是仔細想想又不那么直截了當，因為攝影的制作可以簡單到僅僅按一下快門而已，這樣的作品也太容易了些。與繪畫不同，對一個風光攝影作品來說，最重要的創作元素便是攝影師的預見，在最佳的時機將相機帶到一個特殊的位置。<br><br>對一個野生動物攝影作品來說，最重要的創作元素也是攝影師的預見。而拍攝中對器材性能的依賴性很大，是一種需要專業器材的攝影。今天的相機自動追焦功能強大，而且每秒能連拍很多圖片，更依賴于攝影的眼疾手快。因為是動物，每個姿態都不會絕對相同，但是不同不代表不重復，大量相似的瞬間狀態也會造成視覺的簡單重復。<br> <h3 style="text-align: center">2021年冬攝于新墨西哥</h3> 人文攝影呢？人物也是個個不同。我們常常把簡單的街拍與人文攝影混為一談：街拍多是旁觀者的獵奇；而人文卻要攝影師深入社會，體現生活。一張作品的獨特與否只有將它放在自己恰當的類別之中比較才有意義，同時也與獲取一張獨特作品的素材的難度有關：風光攝影的題材重復率極高，但是一張真正獨特的風光佳作的難度也極高，我常說一年有十二張好作品就謝天謝地了；野生動物攝影師一天不下千張照片，真正獨特的作品一年也沒幾張；而街拍可能一天有十二張形態全然不同的作品，不重復但還可能是千篇一律，真正的人文作品一年有十二張也當去謝天謝地。如果將風光與掃街放在一起比較純粹是牛頭不對馬嘴，就像拿書法與雕塑相比一樣。獨特性與構思有關，而不是表面形態上的差異。<br><br>當然還有后期，它是攝影作品的二次創作，是一個個性化的過程。攝影師通過后期來進一步表達創作思想，這是一件攝影作品不可缺少的環節。后期有沒有重復性呢？也有：無休無止地虛化、千篇一律的暗調等等。更不用說今天連一些攝影名家都在雇人做后期，能不重復嗎？同時，一張風光攝影作品對創意的要求與一張在計算機前產生的數碼作品也大為不同，因為后者不受現實條件的限制。<br><br>今天網上雷同的作品不計其數，我們鑒賞一件攝影作品與鑒賞所有的藝術品一樣，要區別原創品與仿制品 – 盡管仿制品也是作者自己勞動的產物。仿制的作品是雷同的，批量的，盡管它極可能是技術與藝術完美的；而原創則是獨特的，首創的，有別與他人的攝影作品。雷同得越多，作品的價值便越低。<br> <h3 style="text-align: center">2022年春攝于猶他</h3> <p class="ql-block">雷同可能是相對于其他攝影師作品的比較，也可以是相對于自己的作品而言：自家后院有朵獨特的花或者自己有了一張佳作，便沒完沒了地重復拍攝。即便每張作品都有細節上的差異，從攝影創作的角度而言已無創意可言了。梵高畫自己的臥室到了第三張也已經罷手，攝影的重復卻可以不費吹灰之力地無休無止。判斷一個攝影師的創意只要打開他的資料夾，看看雷同作品的數量便知。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">順便談一下比賽，因為不太懂攝影的朋友會以獎牌來作為衡量藝術的標準，獲獎作品一定是好作品了吧？曾經是，今天就不一定了。要看什么比賽，看比賽的規模、知名度、與獎牌數量。今天的攝影比賽多如牛毛，而絕大多數比賽都是盈利性的，靠賺取報名費來獲取利潤。不少比賽的獎牌數多達參賽作品的30%以上；而且很多比賽明文規定只論技術性與藝術性而不論創意、不論重復性，同一張作品也可以同時投不計其數的比賽。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">今天如果一個有一定攝影基礎的攝影師有足夠多的時間、足夠多的金錢，每年能拿幾百個獎牌 – 只不過報名費可能會成千上萬而已。更有甚者，在這個商業化的時代，只要愿意付費，就有人會帶你到拍攝地點，幫你設置好相機，只要你自己按一下快門，之后的事情就不用你管了 – 從后期制作到報名參賽，你就等著收獎牌即可。所以僅僅是獲獎作品已經不能肯定一張作品的價值，要拋開作品外在的頭銜，就作品論作品。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><b>作品的歷史性</b></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">對攝影作品的鑒賞要有歷史的眼光：攝影剛發明的時候畫質很差，今天再拍出同等技術質量的作品便是不可原諒的；中世紀的構圖大多莊重對稱，今天攝影師還是張張如此的話也就顯得過于刻板；膠卷剛發明的時候有名家用來記錄人們的日常生活，哪怕是房前的垃圾桶都顯得創意，今天我們依葫蘆畫瓢去拍張家門口的垃圾桶的話也許就只能算垃圾桶，盡管今天的垃圾桶與一百年前不一樣。我們要從歷史的角度去看一件作品的技術性與藝術性：歷史永遠是前進的，創意永遠是新穎的，藝術是應該走在歷史潮流前面的，至少不能落后于時代。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">攝影與繪畫都是平面影像藝術。繪畫從無到有，給予作者充足的自由度；而攝影在這方面則顯得縮手縮腳，受制于對現實的體現。隨著后期技術和AI技術的發展，這樣的限制已經變得越來越模糊，創意攝影作品也越來越接近數碼繪畫 – 不是用筆，而是用計算機的繪畫而已。攝影是光影的繪畫，然而這光影是真實世界的光影還是計算機產生的虛擬光影我們姑且留給藝術史家去評判，計算機產生的創意作品也許并不能算攝影而應該是繪畫。</p> <h3 style="text-align: center">AI產生的數碼藝術作品 - Sincarnate on Discord (不和諧的化身) 在科羅拉多藝術節獲第一名</h3> <p class="ql-block">攝影自發明以來最不可替代的特性是對現實的記錄，而不是對藝術的渲染。所以攝影史上最有價值的圖片大多具有其特別的歷史意義，甚至影響歷史的進程。同時讀者也對作者有一個不成文的潛約定：照片是真實的，值得信賴的。然而從暗房技術到數碼技術，攝影藝術化的進程正在不斷地侵蝕這種潛約定。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">最直接也最有個人價值的歷史是家庭的歷史，我的早期相片已經被刪得只剩家庭照了，它們的價值是我的任何作品都無法比擬的。然而作為一件攝影作品，它的欣賞對象是大眾，藝術語言的對象也是大眾。而大眾便一般不關心個人的家庭瑣事了，除非你家出了位名人。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">攝影為歷史而產生，為歷史而存在，也會為脫離歷史而貶值。歷史事件在我們身邊發生，需要攝影師敏銳的眼光去觀察，然后以攝影師所特有的藝術眼光與技術手段將它記錄下來 - 強調歷史性也不是缺乏藝術性與技術性的遮羞布。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">歷史性的事件不僅僅局限于人文范疇。我們的自然界每天有不可重復的歷史性瞬間，我們的科學技術領域每天有歷史性的發現。而攝影師的責任便是捕捉下來，展現于世人，存之于歷史。我們的作品也將隨著歷史的事件而具有歷史性的生命。</p> <h3 style="text-align: center">2018年秋攝于南達科他</h3> <p class="ql-block" style="text-align: center;">完</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">《攝影范談》目錄：</p><p class="ql-block"><a href="http://www.xsjgww.com/dacxj7d" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i class="iconfont icon-iconfontlink"> </i>《攝影范談》專欄目錄</a></p> <p class="ql-block">范朝亮，英文名John Fan，早年獲李政道CUSPEA獎學金，旅美三十余載，涉足物理，醫學和攝影等完全不同的領域。為物理學博士，放射醫學專家，美國醫學物理學會院士，同時又是國際頂級在線攝影藝術畫廊1x.com的策展人及中國大使，四光圈攝影創作團隊發起人之一，銳影工作室創始人。作品在國際攝影界屢獲殊榮, 頻繁發表在國內外出版物，在多個國際展覽中展出，并被多家圖片社收藏。他的全部攝影作品收集在其個人網站:</p><p class="ql-block"><a href="https://johnfanphotography.com" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><i class="iconfont icon-iconfontlink"> </i>John Fan Photography 個人網站</a></p> 范朝亮著作：<br><br>《攝影范談集 - 三周改變你的攝影觀》于2019年出版。<br><br>《理性的靈動 - 大自然的攝影語言》于2017年元旦出版，入選2017年1月百道好書榜。第二版于2019年出版。
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