淺談《看名畫的眼睛①》

冰藍

有些畫，第一眼就被深深吸引，色彩，背景都有種神秘感。審美是一種修養，也需要學習，天地，之所以有大美，因為天地可以包羅萬千，包容，又是美中的大美。我們的眼睛應時時帶著欣賞去看，心里悟到了，眼里自然就有了美，離修養也會越來越近。 這是本藝術史論家的工具書,具體暢銷到什么程度，日本暢銷30年，重版66次，目前看起來這個數字還會不停地增長下去。一本書，又是這么小的工具書，受到如此的歡迎，真是讓人難以理解的事，但當我們打開這套書看完時，心中一定不會再有這樣的疑問。《看名畫的眼睛》這套書分①②兩冊。29幅畫，29位大師，這只是表面現象，真正的意義是教會給讀者一套很好的怎么去看的方法。古典畫怎么去看，現代畫怎么去理解，高階先生希望大家掌握一套利器，以后自己獨立面對一張藝術品時該如何去破解它。①冊是從文藝復興的楊.凡.愛克開始一直講到印象派的鼻祖馬奈，基本上是整個圍繞古代繪畫展開的，其中涉及到了15位最具代表性的大師。②冊從莫奈開始一直講到抽象繪畫的蒙德里安，一共敘述了14位現代主義的大師。從前到后29位，基本上把西方藝術講全了。“全”并不是這套書優勢，它的優勢是讓你如何去讀懂一幅畫。不少人認為古典畫比較容易懂，現代畫很難懂，其實并不是這樣，從這29幅畫開始，學習高階秀爾的方法，角度，學習完高階先生的，會發現，原來自己的認識是有問題的。為什么這么講，讀完這套書會覺得，古典畫并不那么好懂，現代畫倒是膚淺，很容易理解，因為古典畫里面有很多歷史，人文類的背景，不了解這些背景，很難徹底理解它到底是什么意思。現代畫，現代畫家都不愿意把內容搞的太復雜，太復雜會削弱畫面自身的力度，所以一般情況來講，眼睛看到的是什么就是什么，例如看蒙克的《吶喊》，那個人張著嘴，捂著臉，一個彎曲的形狀，傳達的就是吶喊，焦慮，所以看到的是什么就是什么，往往現代作品大家覺得難以理解，通常是我們自己想多了，我們會想當然的認為這些畫面需更豐富的內涵，有故事，有隱喻等。讀完高階秀爾這套書，會發現并不是這樣。書簡潔，拿手里質感也很好。 作者本人，高階秀爾。日本著名的美術史論家，曾留學巴黎，主要從事日本和西方美術研究，歷任東京大學研究室教授，國力西洋美術館館長。高階秀爾這名字在國內可能都不太熟悉，但在日本美學界是一個泰斗級別的人物。從級別上國內很難有人能跟他相比，不是說國內沒有那么好的史論家，而是還沒有給這些史論家這么出名的機會。高階秀爾翻譯和編著的著作已經超過了100本。一位多么勤奮博學多才的作家，在他所有作品里面，這套《看名畫的眼睛》最出名，也最暢銷。高階先生2000年獲得日本政府頒發的紫緩褒章，表彰他對于文化發展所作的卓越貢獻。 選兩張有代表性的畫分享下。第一張徹底的寫實主義。楊.凡.愛克的《阿爾諾芬尼夫婦像》。高階先生第一標題叫：驚人的真實感。確實這副畫看起來非常的真實。要是聯想到這是1434年畫的畫，真的很了不起。先看畫，在沒有任何點評的情況下看看是怎么畫的。一個房間，一對夫婦，一張大紅床，紅椅子，墻上掛著一個很特殊的圓鏡子，仔細看是一個凸面鏡，像現在道路拐彎地方大視角的球面鏡，再看地上有一只小狗??，兩雙木屐，屋頂上吊著一個很精致漂亮的金屬吊燈。整體給人呈現出15世紀初佛蘭德斯的室內景象。用現代的眼光看一點都不顯陳舊，現代裝修，裝成這樣也可以。看看我們的裝修美學有600多年沒有什么真正的變化。欣賞完這些，估計您會發出感嘆，哇！真像，畫的太細致了。別急，這才剛剛開始，接下來看房間里面有一些水平線，窗棱，桌面，床圍，這些都是斜的，而且斜的角度還不一樣。懂畫的人會說，這不就是透視嗎。沒錯，就是透視。這個學問，在14世紀末，剛剛被藝術家探索出來，在這張畫上已經被很好地運用了。用現代的眼光看好像沒什么了不起，但在當時，簡直就是一種模仿，一種可以還原現實的模仿，一種可以在平面創造空間的模仿。合理的透視會讓畫面上模擬出一個真實的空間。觀眾都會被畫家刻意的，精心的安排到一個固定點，好像這個點，就在這房間里面一樣。北歐人在1434年能達到如此驚人的藝術程度，的確讓人很敬佩。楊.凡.愛克在這張畫里做到的可不僅僅畫出一個透視，畫出我們能看到的這一半房間，他還利用墻上的凸鏡面，非常隱蔽的把大家都看不到的后半個房間也畫出來了。仔細看凸面鏡，看那里面內容，有夫婦兩人背影，還有他倆左側的窗戶，甚至觀眾后面那扇門也一直開著，還有兩客人好像正要走進房間，如果按這推測，我認為其中有有一個就是我或者我們中任何一個觀眾，另外一位就是畫家楊.凡.愛克本人。這種感覺太神奇，好像我們穿越了600年，又被邀請到阿爾諾芬尼夫婦房間一樣。注意到這面鏡子的時候，一定會看到上方有一串特別的文字，漂亮，但如果不解釋，大部分人看不懂寫的是什么？寫的是“楊.凡.愛克在此/1434”。畫家的簽名，非常漂亮。不過有一個非常有意思的情況，就是在這個時期，畫家們不會在自己的畫上簽名。楊.凡.愛克其它畫里面也沒有看到簽名。另外也畫過一個阿爾諾芬尼的肖像，沒簽名。他的哥哥胡.凡.愛克也是一位畫家，同時也是他的老師，胡.凡.愛克畫上也沒簽名，其它像達.芬奇之前那些畫也沒簽名，那為什么楊.凡.愛克要在這張畫上簽名呢？難道是他獨創了一個簽名的行為嗎？答案是肯定的：不會。因為到了文藝復興盛期的時候，也就是達.芬奇的時候，畫家才開始注重個人特點，才開始出現在畫上簽名這種習慣。楊.凡.愛克這個時代，應該算是最早期，在北方，都知道，文藝復興，是從意大利????各地逐漸傳往歐洲的，所以按理來說，他絕對不應該在畫上簽名。更何況一個畫家簽名通常會簽上楊.凡.愛克。誰也不會簽上楊.凡.愛克在此。好像是誰到此一游似的，這是一個很極低的做法，那到底是怎么回事？簽名只是一個很小的突破口，往深看，會發現有更多的奧秘，想發掘出這些奧秘就再仔細點，需要重新再認認真真看一遍。這張畫，除了一些基本信息以外，還有三點非常值得關注的事。第一點：這張畫里的人物是雙人全身，那個時期所有肖像畫基本都是單人半身，甚至單人胸照，只有在宗教題材的畫里面才會出現全身或者多個人物。第二點：那時的肖像畫一般都是空白背景，如果一定背景的話，也應該是《蒙娜麗莎》那樣的虛無的風景或者是別的，而不是這樣實實在在的一個房間，里面事無俱細都表現出來。第三點：這兩個人站在這屋子里，動作非常特殊，整個現場讓人感覺很隆重，好像有什么正在發生一樣，這情況，也是當時畫作里面極少出現的。有了這三點，再加上楊.凡.愛克在此，那這個情況就比較明白了，應該是一個結婚照。揚.凡.愛克和我們正在見證阿爾諾芬尼夫婦結合。在看下這里面這兩個主人公，丈夫左手托著妻子的手，右手做了一個起誓的動作，這一般象征著結合和忠誠，妻子手上也戴著象征結婚的戒指。每一件都有著協同的意義，一件件去分析，看屋頂上的吊燈，窗外那么亮，為什么還點著一支蠟燭呢？很明顯不是為了照明，這里面就有一個我們現代人不懂的習慣，在中世紀的時候，貴族結婚都會點燃一支燭臺，是婚禮專用的，文藝復興早期很多習慣還在延續中世紀的，這個習慣也不例外，燭臺畫的很精細，質感很強，大家可能會認為畫家是用來炫技用的，實際上，在女主人頭部的左上方，大椅子背的頂端，雕刻著一個很小的小肖像，這雕像在基督教里面是專門守護孩子們的圣女，圣瑪格麗特肖像，跟結婚有關系，在看女主人腳下的這只小狗??，看起來這個活波的小家伙是偶然跑到畫面里來的，實際上是備而來的，它的作用代表忠誠，其它的很多物件都有這類似的其它象征，也包括一些宗教虔誠的暗示，畢竟是1434年，那是歐洲才剛剛從宗教狂熱里面脫離出來，人們對宗教信仰還是處于崇尚狀態，無論做什么都得說明自己對上帝有多么虔誠，結婚當然不能除外。再看畫，大鏡子旁十張微縮的小畫，雖然看不清內容，這是耶穌十個受難場景，接著看圣瑪格麗特旁邊掛著一個香油的毛刷，鏡子左側掛著一串念珠，這兩件是結婚必備的圣物，在桌子和窗臺隨意還放著一些水果，這些也是宗教的象征，它們負責代表原罪的果實。聽完這些分享對畫有新的認識了吧。確實古典畫都是很經看的，畫家也很珍惜這一個表達的機會，所以他們一定會極其認真仔細地安排他們的畫面，每一個內容都經得起推敲才行。 阿爾諾芬尼這名字一聽就不是法蘭德爾人，大部分都是日耳曼民族，芬尼一聽就是意大利名字，阿爾諾芬尼應該是到法蘭德爾做生意的意大利人????。歷史上真有一位這樣很有名望的商人，他的身世說明了兩點。第一點：那個時候北方剛剛開始文藝復興，當時的本地人還沒有那么大勇氣來請人畫一張結婚照。但意大利????人可以。因為在意大利尤其是在佛羅倫薩，威尼斯這些地區已經非常開放了，第二點：阿爾諾芬尼的身份，如果阿爾諾芬尼不是身份顯赫的人士，他肯定請不起楊.凡.愛克。因為楊.凡.愛克不僅僅是法蘭德爾畫界的nabow。還是一名非常活躍的活動家，大忙人，有記載他曾經多次出任法蘭德爾密使，出訪其它國家，一位大商人請同樣一位身份顯赫的畫家作自己證婚人，雙方才能匹配得上。以荷蘭和比利時為中心的北方藝術和以意大利????為主的南方藝術，一直都不太一樣，實際上這時候就已經顯現出來了，后來北方出現了勃魯蓋爾，相對于南方來說，北方的人文主義來得更加徹底，而恰恰就是北方的文化根基造就了北方通俗藝術。 這張畫是法國巴洛克時期的畫家尼古拉斯.普桑的作品：《搶劫薩賓婦女》。看這張畫的第一感覺，就像看一部大片的場景一樣，場面之復雜，人物之多，動作設計之精都是令人贊嘆的，基本上是把人體的扭動發揮到了極致。一個穿紅袍的指揮官站在高處非常冷靜地觀看著這場戲細節的發生，比如人們在哀嚎，赤手空拳的老人試著搏斗，孩子，老婦人在地上無助的痛苦。城市的建筑和天空的云彩倒是和這場戰斗毫無關系，該威嚴的依舊威嚴，該濃郁的仍然濃郁，看到這張畫第一感覺，像一部大片戰斗場景那樣，上面對第一張畫做了點評，都知道有一些套路了。看古典畫不能光看熱鬧得看出門道才行。那在這張畫熱鬧的表面底下要了解的門道有哪些呢？先談背景，一提到羅馬，大家都會想到??狼，羅馬城的標志有一頭母狼??，下面有兩個吃奶的孩子。這倆孩子一個叫羅慕洛，一個叫瑞慕斯，這是哥倆，他們的父親是戰神，他們的母親是老國王的女兒。這倆孩子長大后重建了一個新都城，在建新都城中哥倆發生了爭執，羅慕洛把瑞慕斯殺了，然后用自己的名字命名了這個偉大的城市羅馬。這就是羅馬的由來。不過羅馬是由士兵建立起來的，所以最多只能算是一個大兵營，和城市比起來他們最缺的是女人??，于是羅慕洛向周圍城市請求支援，不過沒人愿意把女兒嫁過去，最后羅慕洛設計把薩賓城的人邀請過來參加慶典，這個過程中他大手一揮，周圍埋伏的羅馬士兵一擁而上，開始搶奪婦女，而且殘忍殺害薩賓的男人??，男人們奮死抵抗，但沒拿武器，而且敵不寡眾，這些婦女全被羅馬人掠走，這張畫畫的就是這個場面。這個故事對于繪畫來說是個很熱的題材，很多畫家都畫過，普桑，達.科爾，甚至畢加索。今天只說普桑。1634年的時候他畫過一幅，到了1637年左右他又畫了一幅，這是第二幅畫。估計第一張在構圖上過于注重場面而失去了美感，所以他一定要再來第二幅，那普桑為什么會鐘愛這個題材，說到底還是因為這題材所提供的發展空間恰好符合巴洛克式的美學要求。這就引起了要講的第二點：巴洛克風格，巴洛克風格是什么呢？簡單來說，就是我們經常提到的歐式古典藝術，經常會聽到歐式家具，歐式裝修，歐式什么的，其實歐式這個詞不該這樣用，一些商家為了體現自己的品格，而創造了這么一個詞。仔細看所謂的歐式大概就是這個巴洛克。在它之前，文藝復興實際上算上一個探索時期，而巴洛克之后藝術開始走向綜合實驗，每一個地區開始發展自己的藝術風格，實際上只有巴洛克在歐洲全范圍內是一個集大成的古典主義，在各個方面巴洛克都達到了很高的成就。那些出席的歐洲大師，例如：卡拉瓦喬，魯本斯，倫勃朗還有這畫作的作者普桑，他們都屬于典型的巴洛克風格。那如何去分辨什么樣的風格屬巴洛克風格呢？一般情況下，這個風格繪畫注重運動風格，大家可以想象一下達.芬奇的《蒙娜麗莎》，拉斐爾的《圣母像》，還有上面講的第一張，它們作為更古老的藝術畫面強調的是寧靜，典雅。而巴洛克更強調戲劇性，強調運動感。比如大家熟悉的倫勃朗很典型的例子，里面看起來亂七八糟的，但實際上又有秩序。歐洲古典主義發展的最高峰就應該是巴洛克藝術。而巴洛克藝術又非常注重戲劇性這一點。下來一起看看這張畫是怎樣實現他的巴洛克理想的。首選很容易發現里面很多人物的動作設計的非常夸張，基本上把人體的這種扭動感發揮到了極致，如果在多一點，容易發生筋骨斷折了，除了這點，還會發現在主要人物身上看不到任何一個重復的動作，也就是說每個人都在做著完全不同的事，這種精心設計很有難度，同時也能體現一個畫家整體的把控能力。在仔細看時就會發現在各種不同的動作里所有的人都在遵循著同一個原則，就是重心的偏移，所謂的重心偏移指的是我們站立時身體輕壓在一條腿上，就一定讓人產生了運動感，這是從古希臘時期就開始發現的一個技巧，可是由于漫長的中世紀，這個技巧逐漸的失傳了，到了文藝復興后期才被重新發現，最好的對比就是臺子上面站立的一個長官，他的動作非常地安靜，重心很平穩，讓人想起古希臘時的雕像，比如宇斯雕像稍微有點運動，但基本上還是保持平衡，但臺下的這些人就像我們剛才所講的一樣，他們盡可能放大著自己的動作，把這種巴洛克式的運動感發揮到了極致，巴洛克式的藝術不僅僅造就了它自身的輝煌，也給整個歐洲創造了一個可以遵循的規律，后人們在大師們身后建立了美術學院，一直致力研究和傳承這種非常標準化的美，就是大家很熟悉的學院派，學院派有時候并不是一個褒義詞雖然有時候他們方法非常棒，但他們又是面面俱到，千人一面的代名詞，普桑就是法國的學院派祖師，雖然他沒有直接參與建設學院，但是所有最初的建設者都無限地推崇普桑，甚至還給學院派學生們定了一個規矩，所有學生必須崇敬古希臘藝術，必須崇敬古代大師拉斐爾和法國第一繪畫人普桑，這就是普桑在法國????人心目中的地位。剛才提到巴洛克藝術所創造的藝術規律，除了動感以外還有別的沒有？當然有，如戲劇性的光線，一般看古典作品的時候，很少會看到純粹的自然光線，就好像舞臺戲劇一樣，精心安排的燈光能夠輔助這個戲劇的表現，這一點，自然光永遠比不上。還有就是看起來那混亂的大廣場上，如果大家仔細去發現，會看到一個又一個的三角形，這些三角形會讓混亂的秩序里面產生非常穩定的質感，這就是古典主義構圖里面的一個原則叫金字塔式的構圖，大家看到最明顯的右面這組人物，由反身持劍的士兵和右側被抱著婦女伸出的左手組成。一個老人，一個女人??，這三個人的輪廓組成了一個非常明顯的三角形，在把視野往外放大一點，他們身后那個騎白馬的武士，左側到穿紅衣服的老婦人，右側延伸的畫面以外，這也是一個三角形，從中間的老婦人到上方去看一直到臺子上的指揮官，在整個畫面的左下角，仍然是一個三角形，所以這種隱藏的形狀無處不在，它們在梳理這這個混亂的畫面，讓它們重新組成一套秩序，這種金字塔式的構圖可不是普桑的原創，早在古希臘時期，那時候到埃及的雕刻家們就已經掌握了這套方法。這些所有的古典的藝術形式到了現代仍然有人不愿意舍棄它。比如現代主義的先驅：塞尚，在塞尚老年的時候，他一直在嘗試這種古典構圖，他的畫永遠不可能在回歸古典了。 通過這兩幅看名畫的眼睛，高階秀爾究竟讓大家看到了什么。概括下：古典畫最多的就是兩個門類。一個肖像類，一個故事類。肖像包括各種人的肖像，有的是固件也有是畫家自己想去描繪的。當大家去看一張肖像時，要清楚畫家究竟想表達模特的那些特點，比如，身世，經歷，或者和他有關系的那個時代。這些都是可以通過服飾，背景，面部來輔助分辨。故事類主要包括傳說故事和宗教故事，當大家看傳說故事時候，看到的是畫家精湛的技藝，還有畫家想表達的某種訴求，因為故事敘述，它的方法不是唯一的，所以這也是畫家最容易自由發揮的題材，大部分畫家都非常喜歡這種傳統的方式，可借此完全創造或表現出畫家自己的心里意愿。 注：文中名畫為下載圖片。文章為作者本人所創。轉載請務必注明原創作者。

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