<p class="ql-block">文字、攝影、編輯 — 報子胡同</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p> <h3>六月中的一天，懷著朝圣的心情來到了仰慕已久的位于阿姆斯特丹的梵高博物館，雖然對繪畫一竅不通，然而當我站在這些以前只有在書中或是網絡中才能見到的真跡面前，我還是被眼前這些曠世之作深深的震撼到了。</h3><h3><br></h3> <h3>文森特·梵高于1853年3月30日出生于荷蘭小鎮松丹特( Zundert)。他還有三個妹妹以及兩個弟弟提奧(Theo)和科爾(Cor)。梵高少年時代給人的印象僅僅是一個安靜的沒有什么特別藝術天賦的孩子，后來梵高曾經興奮地回憶起他快樂的童年時代。（上圖為19歲的梵高）</h3><h3><br></h3> <h3>梵高一生窮困潦倒，在他死后11年他的畫作才被世人所矚目，然而這些畫作的背后是梵高孤獨的人生。他一生都不知道自己是一個天才，他甚至不敢把自己稱作畫家，他的藝術知音惟有自己做畫商的弟弟和畫家朋友保羅·高更。梵高其實只是個以畫畫來填補內心孤獨的人，而正是這份孤獨成就了梵高那些不朽的杰作。當他認為他的畫不被世人所理解的時候，絕望中的梵高選擇了用死亡來結束自己無盡的孤獨。</h3><h3><br></h3> <h3>正如梵高所說："我覺得，最真的藝術，就是去愛。" 曾在梵高畫中出現的嘉舍醫生說過："梵高的愛，梵高的天才，梵高所創造的偉大的美，永遠存在，豐富著我們的世界。"</h3><h3><br></h3> <h3>在了解了他苦難和波折的一生以后，站在如此多他的真跡面前，去感受他鮮艷的色彩、他的蒼勁的筆觸、他的渴望、他用生命寫下的愛，我已經是淚流滿面了……</h3><h3><br></h3> <h3>梵高短暫一生的情感交流都是處在半封閉狀態的，他與家人和朋友，他對于愛情的態度，他對自己的生活狀態都是基本如此。所以，他一直都是個充滿了神秘感的人，這種神秘感由他的內心一直延伸到他的畫作之中，讓看過他畫作的人能在一瞬間被擊中，這不只是因為美麗的色彩和筆觸，更是因為一種只可意會的隱秘情緒。也正是因為這種與眾不同的表達方式，讓梵高可以用繪畫和現實世界以及自己的精神世界來溝通。</h3><h3><br></h3> <h3>在梵高一生的畫作里面，特別是后期，最常用的兩種色系，一種是黃，另一種是藍。即便在他的畫作當中，總是充斥了濃烈鮮艷對比性強的色彩，但是黃與藍兩種原色最能凸顯他內心對于一幅繪畫作品最根本的情緒表達。</h3><h3>他迷戀的天空與曠野，他迷戀的星月與花朵，藍與黃的鮮明對比，是一種兩極生活狀態的極致體現，一種是渴望生活，而另一種是沉溺孤獨。</h3><h3><br></h3> <h3>他在一封信中這樣寫自己："大多數人是怎么看我的？一個無足輕重的人，一個怪人，還是一個難以相處的人呢？可能我就是一個在社會上毫無立足之地、比最輕賤的人還要落魄的無名小卒吧。"</h3><h3><br></h3><h3>"沒關系。"他寫道，"假設確實別人是這么看我的，那我想讓人們在我的畫作中看到，這個無名怪人的皮囊下，有著什么樣的一個靈魂。"</h3><h3>至少有兩個男人在梵高生前觸碰過這個怪人的靈魂。人們提到梵高短暫和充滿悲劇色彩的一生時，總是繞不開這兩個人：梵高的弟弟提奧（Theo van Gogh）和畫家高更（Paul Gauguin）。由于提奧對他始終如一的支持，梵高認為他后來的成就是他們兩人努力的結果。</h3><h3><br></h3> <h3>21歲時的提奧。（圖片來源：Nationaal Archief Nederland/wikimedia）</h3><h3><br></h3> <h3>十六歲時他進入了法國藝術品商行古比爾公司的海牙分店當店員，他叔叔文森特是這家法國公司的合伙人。梵高的弟弟，1857年5月1日出生的提奧，后來也到這家公司工作。從1872年8月開始提奧和梵高一直保持著通信往來，他成為梵高生活和精神上的支持者，直到凡高去世。</h3><h3><br></h3> <h3>1873年梵高被調往倫敦分店。兩年后又被古比爾公司派到巴黎工作，在巴黎他對成為藝術經銷商失去了興趣。他將自己沈湎于宗教之中，他逐漸對工作失去了興趣，并于1876年初被古比爾公司辭退。隨后梵高又在英國找到一份助教的工作，但因前途黯淡，他于1876年又回到了荷蘭。</h3><h3><br></h3><h3>這時他想步其父親的后塵成為一名牧師。雖然他的家人對他那種狂熱和不尋常的行為注以懷疑的目光，但他父母還是決定為他承擔進入大學所需要的私人課程的費用。這似乎又是一個錯誤的開始。梵高沒有堅持上課，而且在接受了很短暫的教育后就作為一名牧師前往比利時南部的礦區博里那日（Borinage）。在那里他從事牧師工作并和礦工及其家庭完全融成一片。1879年他的任命沒有被延續。在那之后他母親視他為社會的棄兒，甚至他父親曾經考慮過將他送到精神病院。</h3><h3><br></h3> <h3>藝術家的未來</h3><h3>梵高對自已也失去了希望，經過一段較長時間的獨居和思考，他決定采納提奧的建議成為藝術家。他先前的作為牧師向人們傳送福音的念頭在人的本能的驅動下逐漸地改成"以素描或繪畫作品的形式留下一種紀念品，不是為了將其懸掛，而是使人們從中體味到真實的人情"。梵高的父母認為他們對他的這一新的選擇不再負責。他們將經濟上負擔梵高的責任留給了梵高的弟弟提奧，那時提奧已經在巴黎的藝術品商行 Boussod，Valadon & Cie 公司有了份工作，這家公司的前身就是古比爾公司。</h3><h3><br></h3> <h3>出人意料的天賦</h3><h3>在梵高作出要成為藝術家的決定時，包括他自已在內，沒有人料到梵高有著特殊的藝術天賦。他從一個笨拙的但充滿激情的初學者以令人驚奇的速度很快發展成為一位名符其實的有創造性的大師。他對強烈的色彩效果有著獨特的感受，并且在選擇樸實的但令人難忘的構圖方面有著堅定的不同尋常的把握。</h3><h3><br></h3> <h3>決定成為藝術家后，梵高前往布魯塞爾的美術學院學習。僅數月后他就離開了那里。也正是在那個時期，他結識了凡·拉伯德（Anthon van Rappard, 1858-1892）凡·拉伯德成為凡高在荷蘭時期最重要的藝術之友。</h3><h3><br></h3> <h3>凡高的感情生活充滿挫折和失落。他有著強烈的本能渴望和需求，卻從未得到愛神幸運的眷顧。年輕時的梵高曾經向三個女人求過婚，出于不同的緣由，三位女子都拒絕了他。</h3><h3><br></h3><h3>梵高成長在中產階級家庭，自小就學會辨別兩種女人。他家所在階層的女性被認為是"高高在上"的，但他更同情憐憫社會上的弱勢女性，比如淪落風塵的妓女。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高鐘愛"被生活蹂躪過"的模特。西恩當時給他當模特，他就是這么描述她的。不論是否有意為之，梵高實際上選擇了現代繪畫中的一大主題。其中，妓女被認為是現代（都市）生活的一個縮影。</h3><h3><br></h3><h3>"我對西恩（Sien Hoornik）的感覺沒有去年對凱伊沃斯那般強烈。但我只能這樣… 我們就是兩個同甘共苦的不幸的人，互相扶持，互相依靠，將悲傷轉化為快樂，生命中的負重也因此得以承受下來。" - 寫給提奧的信，1882年6月1－2日于海牙</h3><h3>上圖：《女子頭像》（西恩）1882－83年，</h3><h3><br></h3> <h3>梵高的父母對兒子的感情生活很是擔心，梵高的父母大多會和提奧這個家里的"中間人"說說他，然后再由提奧告訴哥哥父母的看法。</h3><h3><br></h3><h3>梵高非常渴望得到愛，他曾經寫道："我自忖，我想找個女人。我不能沒有愛情，沒有女人。如果生命里沒有什么是無限的、深刻的、真實的，那我根本不會在意生命本身。"</h3><h3>- 寫給提奧的信，1881年12月23日左右于埃頓</h3><h3><br></h3> <h3>1883年底，在學習了三年多的繪畫（主要是素描）技巧訓練以后，梵高又回到了他父母的身邊，荷蘭北部的紐南。</h3><h3><br></h3> <h3>在紐南，梵高開始了第一次經常性的作畫，并且以法國畫家米勒（Jean-Francois Miller 1814-1875）為楷模進行創作。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高在紐南畫了大量的頭像習作。他把這種練習看作是人物油畫不可或缺的準備和基本功，而人物油畫又是他希望以后在美術學院所要學習的。梵高不把頭像習作當作單獨的肖像去畫，而是表現人物的特征。因此他尋找"有著低前額和厚嘴唇的粗糙扁平的臉，不是尖長的面孔、而是圓圓的臉、象米勒作品中的人物"</h3><h3><br></h3> <h3>梵高早期的作品色調灰暗，主要以靜物和人物為主，題材多為表現鄉間或礦區貧窮生活和一些描寫底層的小人物肖像畫。上圖：《茅舍》1885年，（65.7x79.3厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>梵高在練習了"各種色彩風格"后不久，于1885年10月底創作了這幅引人注目的寫意畫法的靜物。他將這幅作品看成是前面數月努力的結晶。這幅靜物描繪的是一本圣經與一本法國作家佐拉( Emile zola)的小說萌芽。這本圣經是梵高父親的并且很有可能成為其父的傳統信仰的象征放置于此。梵高本人對左拉和法國自然主義文學十分著迷，他把這類書看作是現代生活的圣經。這幅畫中的兩本書更像是代表著父子倆相反的生活觀。</h3><h3><br></h3> <h3>《吃土豆的人》1885年，（82x114厘米）</h3><h3>展現出貧苦的一家人勞作一天以后，晚餐桌上的主食卻只有土豆而已。畫中右手邊的老婦人，生活的重壓剝奪了她全部的情趣，她機械地倒著手中的咖啡，目光不與餐桌上的任何一個人交接；畫中左手的中年男子，他小心翼翼地注視著對面的母親，似乎為自己的胃口充滿了負罪感。昏黃的燈光下，圍坐在餐桌邊的一家人眼中卻仍然透露出饑渴的神情，此時無聲勝有聲，他們似乎在靜靜地訴說著他們的哀傷……</h3><h3><br></h3><h3>圍著餐桌而坐的五個農民，梵高以前都曾個別畫過習作。他們每個人炯炯的眼神是那么的逼真，右端的農婦下垂的厚重眼瞼，布滿皺紋、凹凸不平的臉和手，充分地表現出大地上勤奮的勞動者的"力量"。他在信上表示，希望這幅畫能強調出"伸在碟子上的那只手，曾挖掘過泥土。"同時窗外的景色，也令人深切地感受到煮土豆的香味。</h3><h3><br></h3><h3>這幅《吃土豆的人》是梵高接觸印象派之前的最重要作品。與前面以織布工為題材的作品相比，這幅畫的明顯不同在于人物成了主角。雖然因為離模特太近，導致透視比例產生了偏差，但是，梵高在這 幅畫中加入了自己的主觀情感，而不再拘泥于寫實主義的"冷靜旁觀"。一家人身處如此悲慘境遇，卻是那樣的安詳和平靜，令觀者對人生、對命運產生無限的感慨。梵高說："我要努力學會的，不是畫一個比例正確的頭像，而是畫出生動的表情。簡單地說，不是描摹沒有生命的東西，而是畫鮮活的生活。"</h3><h3><br></h3> <h3>1885年11月底梵高搬到比利時的城市安特衛普。他于1886年1月在皇家美術學院注冊，學習素描和油畫。然而參觀安特衛普博物館對他作品的影響大于在學院上課。在博物館他被十七世紀的大師魯本斯（Peter Paul rubens，1577-1640）所吸引"：研究魯本斯是很有意思的，正是因為看上去似乎簡單的畫法，或者稱為表面化更適合些。以如此簡練的筆法且快捷的落筆毫不猶豫地作畫，特別是他的素描更是如此。</h3><h3><br></h3> <h3>魯本斯擅長肖像畫和女人頭像或人體"。梵高從中受到了啟發，他快速地創作了這幅長發披散的女人肖像。安特衛普城市婦女與紐南鄉村婦女之間的反差，給梵高以新的想法，他認為"使用肉色是對的。上圖：《妓女頭像》1885年，（35x24厘米）<br></h3><h3><br></h3> <h3>《婦女頭像》1885年，（42.7x33.5厘米）</h3><h3>這幅戴白帽圍著黑披肩女人的肖像，梵高畫的是紐南的鄰居農婦高娣娜·德·奧特（Grdina de Groot）。在油畫吃土豆的人中也可認出她來，在那幅畫中德·奧特一家作為模特而高娣娜正是畫中左側的那個女人。</h3><h3><br></h3><h3>在高迪娜懷孕之后，所有人都覺得和這個"畫家小子"有關。梵高矢口否認，之后也證實了他并非孩子的父親。不過因為這件事兒，教區的牧師不厭其煩閑言碎語，他向村民們保證，如果大家拒絕讓凡高畫畫，他就付給大家報酬。所以從那時候開始，梵高就很難再找到合適的模特了。</h3><h3><br></h3> <h3>1886年初梵高來到巴黎與他弟弟同住。在那里他第一次看到了印象派和后印象派的作品，相比之下，他在荷蘭時所用的那種深暗的色調無疑是太過時了。上圖：《梵高從提奧住處看出去的景色》1887年，（46x38厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>在巴黎期間為了熟悉、清新的色調的使用，梵高開始畫了很多靜物、其目的是對不同色彩組合的效果進行研究。</h3><h3><br></h3> <h3>醒目、清新的色調逐漸取代了暗淡的顏色。上圖：《插著翠菊和劍蘭的花瓶》1886，（46.5x38.5厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>《玻璃酒瓶和柑橘果盤》1887，（46.5x38.5厘米）這幅色彩豐富的靜物是梵高流暢地薄薄施以油彩而畫出的，它描繪出光線從盛著水的玻璃瓶中反射的圖景。</h3><h3><br></h3> <h3>《克里希大街》1887年，（46.5x55厘米）</h3><h3>巴黎的克里希大街位于藝術家集中的蒙馬特爾（Montmartre）區域，比鄰梵高弟弟公寓所在的Lepic街。梵高以他住所周圍的不同景致為題材畫了大量的素描和油畫。這幅作品特別表現出了印象派的影響。以一種輕快的、自然而然的畫風描繪出一條隨意的街道是該畫派中十分流行的題材。梵高用簡捷的手法勾畫出街上的行人、建筑以及反射的光影。</h3><h3><br></h3> <h3>《蒙特馬爾：風車和菜園》1887年，</h3><h3>梵高所處的那個時代，不斷擴大的城市一點點的侵蝕著鄉村的優美景色，畫中想表現的是蒙馬特爾的菜園與農田交織在一起時與一座高大的公寓拔地而起的對比。梵高特別以對比的色彩運用點彩畫法來描繪建筑物及菜園，同時他運用寫意的、更自然的手法來畫天空。</h3><h3><br></h3> <h3>《蒙特馬爾：煎餅磨坊后面》1887，（81x100厘米）</h3><h3>這是1888年春季畫展的一幅參展作品，梵高以流暢的筆觸畫出了蒙特馬爾的菜園，并將這里的氣氛呈現在畫面之上。</h3><h3><br></h3> <h3>《鈴鼓咖啡館里的阿戈斯蒂娜·賽佳托利》1887，（55.5x46.5厘米）</h3><h3>在這幅肖像中，梵高讓阿戈斯蒂娜坐在一張"鈴鼓"桌面的桌子旁她的咖啡館因此而得名。畫家們可以在這兒展出作品，這讓這家店在藝術圈中小有名氣。梵高在此舉辦過日本版畫展，在這幅畫中，那些版畫在阿戈斯蒂娜身后的墻上仍隱約可見。</h3><h3><br></h3><h3>兩人在1886年12月至1887年5月的半年之間有過一段情。據保羅·高更說，凡高和阿戈斯蒂娜十分相愛，但這個女朋友后來也是有一堆麻煩。在鈴鼓咖啡館破產后，梵高留在那兒的作品全被扣押了，之后他再也沒有見過那些畫。</h3><h3><br></h3> <h3>《情侶花園：圣保羅廣場》1887年，（75x112.5厘米）</h3><h3>梵高一定深愛過阿戈斯蒂娜。在兩人交往期間，他創作的多幅畫中都出現了戀愛中的男女。</h3><h3>其中最著名的就是這幅《情侶花園》，畫出了圣皮埃爾廣場小公園里的浪漫景象。凡高畫的是不是自己呢？穿著藍色外套，戴著草帽，緊靠著身旁撐著太陽傘的女子。梵高將花園和公園視為詩意的場所，情侶增強了構圖的浪漫氛圍。</h3><h3><br></h3> <h3>為了尋求自已獨特的風格，他嘗試著使用印象派和后印象派畫家的技巧并且研究日本藝術家的版畫。梵高在1888年寫道："我真羨慕日本人對所有事情的明朗。甚至他們的作品都如呼吸那么容易，他們僅用幾筆準確的線條就勾勒出一個人物，簡單地就猶如扣衣扣"。</h3><h3><br></h3><h3>高級妓女中準確的線條表明梵高鉆研了日本的版畫藝術。在這幅畫中他使用了日本版畫家溪齋英泉( Kesai eisen,1790-1848)的作品，該作品于1886年發表在巴黎插畫（Paris illustre)這本繪畫雜志的封面上。他用柵格臨摹放大了日本女人。</h3><h3><br></h3><h3>梵高為這幅高級妓女設計了一個有著水蓮、池溏和竹節的寬邊幀框。畫中的鶴與青蛙暗喻著這個女人的職業。鶴與青蛙的法語詞通常是意指妓女的同義詞。上圖：《花魁》（臨摹溪齋英泉作品）1887年，（105.5x60.5厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>由于模特嚴重短缺和經濟的問題，梵高開始以自己為模特作畫。《畫家的自畫像》1887-1888年，（65.5x50.5厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>為了提高畫肖像的技藝，梵高為朋友們、熟人們和他自已畫像。鏡子則是不可或缺的輔助工具。為此梵高在阿爾勒時特地買了面新鏡子。他所畫的35幅自畫像中多數是在巴黎完成的，總共29幅。上圖：《自畫像》1887-1888年，（44x37.5厘米）<br></h3><h3><br></h3> <h3>梵高在肖像藝術練習中一般都用廉價的繪畫材料。在他的自畫像中，有四幅是覆蓋在他以前的練習畫上，七幅是在他紐南的習作背面畫的，因為紙板比亞麻布便宜，所以還有七幅是在紙板上畫的。上圖：《自畫像》1887年，（41x33厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>梵高把他在巴黎生活的兩年中創的自畫像稱為習作，這幅筆觸輕快的自畫像正是其中之一。背景那部分甚至沒有被畫出來。整個畫面以黃色調為主。只有個別的線條凡高用了其它顏色：黑色勾畫出鼻子而紅色沿著畫衫衣領走了一筆。上圖：《自畫像》1887年，40.5x32.5厘米）<br></h3><h3><br></h3> <h3>梵高多次以頭戴草帽和身著畫衫為題畫自畫像。也有他穿著西裝戴著帽子的自畫像。</h3><h3><br></h3> <h3 style="text-align: left;">*1889年9月，梵高畫了他的最后一幅自畫像。這幅半身像中，畫家以微側的正面出現，背景是藍、綠、灰色混合的漩渦、水紋狀連續線條，穿在無領白襯衣外的外套幾乎和背景的顏色相同，這些細節與他緊張的面部表情和深暗、呆滯的目光形成強烈的對比。這種眼光似乎要把一個人的心事看透。</h3><h3 style="text-align: left;"><br></h3><h3 style="text-align: left;">背景中悸動的紋路是傳達亢奮的符號，并非由固定的節奏或一成不變的圖案所構成；這些紋路傳達了他對生活的環境所具有的排山倒海式的感情。然而這些澎湃的感情卻被鎮壓在凝固的形式之下，并且被統合在井然有序的構圖內，如同事先被選定的元素；盡管畫面充滿流動與不安，一股巨大的平衡力量仍主宰著一切。</h3><h3><br></h3> <h3>在巴黎梵高結識那個時代的許多重要畫家，他們中有保羅·高更（1848-1903）上圖：《畫向日葵的文森特·梵高》高更，1888年，（73x91厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>保羅·高更《自畫像》1888年，（45x55厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>埃米爾·伯納德（Emile Bernard,1868-1941)《從布瓦達蒙眺望波特·亞翁村》1892，（101x76厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>保羅·西涅克 Paul Signac（1863-1935）《鐵路聯軌處》1885，（46.5x65厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>雷昂·奧古斯汀·勒爾米特（1844-1925）《割曬干草》1887年，（216x264厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>亨利·德·圖盧茲·洛特雷克（1845-1924），</h3><h3>一種被稱之為"maisons close"的妓院似乎和巴黎的其他夜場所有不同。亨利德圖盧茲洛特雷克將它介紹給了梵高。</h3><h3><br></h3><h3>圖盧茲洛特雷克后來還以此為主題創作了一個平版畫系列。封面所用的印張上，一名女子正在整理秀發，身旁的床上暗示性地放著一只男人的高帽。圖盧茲洛特雷克曾在兩間隱秘的展廳內展出了該系列作品。展廳大門緊閉，而鑰匙只有他有，與畫中莊重隱秘的主題相呼應。</h3><h3>上圖：《她們》（1896年）的系列印本封面。</h3><h3><br></h3> <h3>《桌旁的少婦》1887，（56x46厘米）</h3><h3>洛特雷克的大名基本上是巴黎夜生活的代名詞，他作品的題材很多取自于巴黎生活：咖啡館、妓院、音樂廳以及酒店的歌舞表演。這幅作品很可能是他情人的一幅肖像。梵高看到這幅作品以后稱它是巴黎生活的象征。提奧以150法郎將此作品買下作為他們的私人收藏。</h3><h3><br></h3> <h3>柯思·凡·冬恩（1877-1968）《畫家的妻子》1911年，（146x114厘米）畫家們成了朋友，這些藝術家和梵高將決定現代藝術的發展方向。兩年之內，他就完全熟悉了繪畫技藝的最新發展，并將他自己極個性化的風格發揚光大。</h3><h3><br></h3> <h3>在梵高整個的藝術生涯中，法國藝術家米勒以及他所描繪的農民和農村生活，一直賦予梵高以靈感。</h3><h3><br></h3> <h3>《收獲》1888年，（73x92厘米）</h3><h3>梵高在紐南就曾寫過，與春天相反，夏天不是很容易畫的。他想用"藍色與鍍金麥田的橙黃色作對比"將夏日的氣氛烘托出來。在這幅畫中他成功地再現了"夏季太陽光的效果"。</h3><h3><br></h3><h3>梵高并不僅僅畫出了陽光燦爛的風景，而且特別是將鄉村生活，活生生地呈于畫面。畫面上是收獲時節的不同場景。不管多么小的細節，只要構成了農民收割的一部分，就都出現在這幅畫中。他自已稱這幅為"La Moisson"法語收獲之意。梵高把該作品看作是他最成功的油畫"這幅畫絕對勝于所有其它的畫…"，他在阿爾勒曾三次這樣寫給他的弟弟。</h3><h3><br></h3> <h3>"我正在描繪一個新題材極目遠望，到處是黃綠相間的田野。我已畫了兩稿，現在開始畫油畫。它簡直像柯寧克的作品，你知道，就是那個描繪廣闊田野的倫勃朗的學生"。梵高如此向提奧描繪他筆下的風景畫。 一望無邊的遼闊景色令梵高心馳神往。面對原野，他不僅想起故鄉荷蘭，而且往昔流連于畫廊，飽覽風景大師杰作的日子，重又浮現在眼前。</h3><h3><br></h3><h3>梵高以精確的用色和幾何圖形似的構圖，賦予畫面以令人難以置信的縱深感，把我們的視線從前景一步步引遙遠的天際。</h3><h3><br></h3> <h3>這幅作品再次顯示了色彩的和諧前景呈赭石和橘黃色，中景穿插著幾簇綠色矮樹叢和一片金黃色的田野，遠處露出青山藍天。黃色田野中，藍色的手推車和紅色的鏵犁格外醍目。</h3><h3><br></h3><h3>梵高為創作這幅油畫，共畫了四張習作，它們的構圖大致相似，手推車始終位于畫面中央。為了使作品產生縱深感，給人以從高視點遠望景色的印象，梵高讓天空只占畫幅的六分之一。藍色手推車構成畫面的焦點，位于畫面正中央。</h3><h3><br></h3> <h3>《羅琳嬰兒畫像 》Portrait of Marcelle Roulin1888年，（35x24.5厘米）</h3><h3>羅琳是梵高鄰居郵差的最小的女孩，當時她才四個月大，她獨自被梵谷畫了三次，還有被媽媽抱著被畫兩次，這三幅都有著胖胖的臉頰和手臂，當時梵高的弟媳正懷孕著，她看到這些畫后，寫道："我希望我的孩子也是如此強壯美麗，這樣他的伯伯有一天也可以幫他畫像"。</h3><h3><br></h3> <h3>《捆麥子的婦女》（臨摹米勒作品）1889年，（43x33厘米）</h3><h3>梵高在圣雷米臨摹版畫作品創作了一系列油畫，這些版畫家包括：杜米埃( Honore Daumier,1808-1879)、倫勃朗(1606-1669)，尤其是對梵高早期作品經常賦予靈感的米勒(1814-1875)。也因為他的病處于危險階段、不能到外邊去作畫的緣故，所以他可以一直臨摹這些作品。關于臨摹他給提奧寫道："我是偶然開始臨摹，并發現我可從中學到一些東西，尤其是有時我從中感到安慰。我的畫筆在我的手指間就象琴弓在提琴上移動一樣，這對我來說足夠了"。</h3><h3><br></h3> <h3>《收割者與麥田》1889年，（74x92厘米）</h3><h3>梵高在圣雷米很容易發現創作的主題，這幅收割者與麥田描繪的是梵高房間窗外的景色：以遠山為背景的圍墻圍著的麥田。長而粗重的油彩線條各處螺旋狀地勾畫出麥子。后來梵高自己說明了這幅油畫的內涵，他引用圣經中著名的隱喻："收割者，一個模糊的人物，為了完成他的工作在炎熱的夏日拼命的工作著，我看到了死亡，在這個意義上，代表著人類的麥子都被割掉了"。他對死亡又補充道："幾乎帶著微笑"。</h3><h3><br></h3> <h3>米勒田間工作的農民的系列畫被凡高臨摹成十幅小的油畫，其中七幅收藏于凡高博物館。這些主要是以金黃和明藍色畫的：梵高總是在畫農民生活的畫中使用這種色彩的組合。</h3><h3><br></h3> <h3>阿爾勒</h3><h3>1888年初梵高來到了法國南部的阿爾勒，在阿爾勒旅居期間，梵高創作靈感迸發，畫作登峰造極，他創作了《向日葵》，《阿爾勒的臥室》，《夜間咖啡館》，《阿爾勒吊橋》等許多驚世駭俗的作品，在那里他最終對自已作為藝術家的未來有了信心。他想以他獨到的用色技法貢獻于現代藝術。</h3><h3><br></h3><h3>阿爾勒周圍的風景給他以強烈的創作沖動。那年春天他創作了一系列以鮮花盛開的果樹為主題的作品，夏天又創作了金色麥田的系列畫。梵高對自己能力的自信表現在，他決定暫不出售任何個人作品，而等待著直到他創作出了三十幅高質量的、能代表他本人能力的油畫。</h3><h3><br></h3> <h3>《黃房子》</h3><h3>1888年5月梵高在阿爾勒位于拉馬丁廣場2號的一座建筑物的一側，租了一間旅館居住直到1889年的4月，這就是著名的"黃房子"。</h3><h3><br></h3> <h3>畫面上建筑物的右側即是梵高的住所（正面的窗戶涂成綠色和黃色的部分）。梵高很早就向往"藝術家的樂園"，因此希望這個家能成為南法的"未來畫室"，并且希望能夠盡快地接他的窮朋友高更來一起共同生活（高更于10月20日到達阿爾勒）。在這張畫上，由廣闊前景的土黃色地面，即向兩旁延伸的馬路，到小建筑物正面的硫磺色與一大片天空的綠色，這些顏色之間相互呼應，構成了色調的轉移。"<br></h3><h3><br></h3><h3>梵高覺得這里的陽光格外明亮，他在這里租了個有四個房間的房子，夢想將其變成藝術家的樂園，就是畫作中街角的那幢房子，顏色較其他建筑物響亮，他稱之為"光之屋"，并將黃色命名為愛的最高閃光，房子前腳步匆匆的就是他本人。</h3><h3><br></h3><h3>這幅圖畫的主題不是光，而是感情。梵高的第一個念頭是想把它畫成一幅夜景畫；"窗口亮著，空中繁星閃爍"，可是在定稿中，他蓄意強調陽光通過巨大的空隙流進屋內的黑暗，所以整幢房子發出光亮。上圖：《黃房子》1888年，（72x91.5厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>1888年9月，梵高搬入"黃房子"，靠提奧供給的生活費，把住宅布置一新。在此之前，他獨自一人生活了好幾個月。他希望將黃房子建成他夢想的藝術家聚居地。<br></h3><h3><br></h3><h3>他選擇了式樣普通、格調不俗的家具來布置，而他自己房間的擺設卻出奇的簡樸。提奧勸說高更去與哥哥同住。梵高在等待高更的日子里，運用鮮明的黃色和淡藍色，描繪了自己的臥室。此時已定居下來的梵高，之所以畫出自己的房間，主要是想讓弟弟西奧看到他目前的生活情況。樸素的床、椅子和洗臉用具等，都是真實的生活寫照。他在給提奧的信中寫道： "我這次畫的只是我的臥室。這幅畫要由色彩來當家……就是說，要通過色彩，表現出休息或睡眠的氛圍。一走進這個房間，想像力就可以得到休息……四四方方的家具表現臥室不應受到干擾的寧靜。"</h3><h3><br></h3><h3>值得注意的是，梵高為阿爾勒的黃房子所畫的唯一一張內景所表現的并不是畫室，而是他自己的臥室。可以看到，他在自己的單人床上放上了兩只枕頭，數年之前他曾寫道，"早上，如果你醒來不是孤身一人，晨光中見到有另一個人在身邊，世界仿佛會美好許多。"</h3><h3><br></h3><h3>在阿爾勒時，他意識到自己再不可能遇到這樣的另一個人，于是只能在臥室之外尋覓"情愛"。上圖：《阿爾勒的臥室》1888，（72x90厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>屢次失敗之后，梵高終于接受了命運的安排。他令人捉摸不定的失調個性或許根本不適合心靈上的結合。1888年，梵高在阿爾勒常去妓院解決生理之需，除此之外，則在藝術、大自然和弟弟提奧給予他的現實之愛中尋找慰藉。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高最有名的作品無疑是《向日葵》。他曾多次描繪以向日葵為主題的靜物，他愛用向日葵來布置他在阿爾勒的房間。梵高以《向日葵》中的各種花姿來表達自我，有時甚至將自己比擬為向日葵。梵高畫中的向日葵色彩金黃，充滿了生的欲望，好像在燃燒，</h3><h3><br></h3> <h3>《向日葵》1889，（95x73厘米）</h3><h3>在這幅作品中，再也看不到自畫像里那種短促的筆觸，在這里，他的筆觸堅實有力，大膽恣肆，把向日葵絢麗的光澤、飽滿的輪廓描繪得淋漓盡致。他大膽地使用最強烈的色彩，因為他清楚地知道： "歲月將使它們變得暗淡，甚至過于暗淡。"</h3><h3><br></h3><h3>當我站在《向日葵》面前的時候，還是被它明亮的金黃色震撼住了，強烈的對比顏色和厚重的色塊結合得天衣無縫，更創造出新的對比色系，對以后的藝術發展產生了深遠的影響。</h3><h3><br></h3> <h3>這幅畫以黃色和橙色為主調，用綠色和藍色的細膩筆觸勾勒出花瓣和花莖，簽名和一朵花的中心也使用了藍色。籽粒上的濃重色點具有醒目的效果，纖細的筆觸力圖表現花盤的飽滿和紋理的婀娜感覺。<br></h3><h3><br></h3><h3>"在黃色背景前面的一幅十五朵花，好像我以前所畫的一樣。不同之處是這幅畫更大一些，它有一種相當特殊的效果，我認為這一幅是以更加簡練的手法畫出來的。"這幅畫最初是為了迎接高更的到來而作的，并且掛在了高更的臥室里。</h3><h3><br></h3> <h3>《阿爾勒吊橋》1888，（59.5x74厘米）</h3><h3>梵高在信中寫著："今天的工作是畫一張15號的畫那是在藍色天空下，一輛小馬車正通過的一座吊橋，和天空同色的河水、綠草，橘色的河堤，還有一群穿著各色衣服的浣衣婦女"。</h3><h3><br></h3><h3>這一張畫的色彩清澄而果斷，有如金屬管樂器奏出的嘹亮聲響。天空是一片藍，水波蕩漾的深邃運河，均遠離巴黎的喧囂，漫游在郊外的梵高，彷彿可以聽到他自己快活的聲息。 這座吊橋在第二次世界大戰時被破壞，現在已另外在別處建筑新橋。</h3><h3><br></h3> <h3>《高更的椅子》1888年，（90.5x72.5厘米）</h3><h3>1888年10月底，高更來到了阿爾勒，梵高對他的到來很高興并說他的"地中海畫室"真的開始運作了。在這個黃房子中，兩位大師共同生活和工作了兩個月。</h3><h3><br></h3><h3>1888年11月梵高創作了這幅畫。空椅子常常用來作為其主人的化身，梵高創作這幅畫時也有同樣的想法：就像是為他的朋友高更畫肖像。</h3><h3><br></h3> <h3>《夜間咖啡館》1888年，（72.4x92.1厘米）</h3><h3>梵高當年在阿爾勒描繪的這家咖啡館如今依然矗立在拉馬丁廣場。梵高抵達阿爾勒后，一直住在這里，后來懷著建造藝術家聚居地的希望，搬入黃房子，與高更共同生活了兩個月。</h3><h3><br></h3><h3>梵高阿爾勒時期的作品，總令人充滿陽光的明亮的風景畫，其實他受夜景刺激而繪畫作亦為數不少。</h3><h3>這幅右下角有著梵高簽名的畫作描繪的是室內的咖啡館的場景，處在畫面中間位置的門簾半開半掩著，據推測門后面有很多獨立的小房間。五位顧客沿著墻坐在左右兩側，服務員站在燈光下面面對著觀眾，在他一側房間中間部位一有張臺球桌。</h3><h3><br></h3><h3>畫面中的五位顧客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪漢以及妓女和嫖客，有學者說咖啡館是窮困潦倒的人和妓女夜間出沒的場所，這在畫面遠處的角落里得以體現。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高希望各類不同的畫家能到阿爾勒與他起同住同作畫。1888年10月高更的到來，似乎是一個樂觀的開端。同年年底梵高的這種樂觀被他的第一次癲灜病發作擾亂了。這使他生活在幻覺中并有著類似精神病的發作。在一次發作時，他割下了自己的左耳垂。上圖：《夜晚時光》（仿米勒作品）, 1889</h3><h3><br></h3> <h3>梵高畫的高更畫像</h3><h3>1887年，梵高在巴黎通過提奧認識了保羅·高更。這位印象派畫家隨后成為梵高最在意的朋友之一。</h3><h3><br></h3><h3>他們對彼此的藝術都很欣賞，還曾特地交換了畫作。梵高很敬佩高更，覺得高更的藝術有一種超前性，自己可以向高更學習；高更一方面很欣賞梵高的《兩朵向日葵》（Two Sunflowers），另一方面認為提奧將會是自己在藝術界發展的一大助力。這兩個當時都還沒出人頭地的畫家，惺惺相惜地成為了好朋友。</h3><h3><br></h3> <h3>有一回，高更和梵高一起畫一位咖啡店的女主人，除了筆觸和對色塊的運用有共同點外，呈現出來的效果卻仍然十分迥異。左：高更《阿爾勒的夜間咖啡店》；右：梵高《Ginoux女士》。（圖片來源：wikipedia；METs）</h3><h3><br></h3> <h3>《割掉耳朵后的自畫像》1889，（51x45厘米）</h3><h3>這幅作于1889年1月的畫是給后人留下的第一幅展現梵高當時在阿爾勒的精神狀態的自畫像。畫家有一個高高的向上斜的前額、一個強有力的鷹勾鼻子、三角形不對稱的臉孔和那突出的顴骨、下陷的雙頰，他的形象給人以極其深刻印象。</h3><h3><br></h3><h3>梵高的自畫像，往往成為對畫家心理探索的佐證，是畫家性格特征的一面鏡子。畫家在描繪自己時，敢于剖析，毫不掩飾地揭示出他性格中最令人感到意外，卻又是最為動人的一面。此幅肖像作于他的"割耳朵事件"發生一個多月之后。此刻，畫家已找到了他內心的自我平衡。</h3><h3><br></h3> <h3>1889年4月梵高去了附近的圣雷米，他自愿到圣保羅精神病療養院( Saint-Paul-de Mausole)接受治療。當他自已感覺狀態好的時候，他就在花園里或療養院周圍繪畫及寫生。在阿爾他對色彩的感覺經常是那么異乎尋常的強烈，而在這里則變得柔和且筆觸更生動了。</h3><h3><br></h3> <h3>由于作畫對他的安慰效應，也為了練習，畫家以"色彩詮釋"了大量的他所推崇的畫家的版畫，這些畫家例如德拉克洛瓦（Eugene delacroix,1798-1863)和前面提到的米勒。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高一直不知疲倦的作畫，即使風暴來了，他將畫架與地上的樁子固定在一起，堅持在室外的果園畫畫。在這期間他于1888年3月底創作了一幅自己很滿意的果樹花盛開的油畫，現收藏于梵高博物館。上圖：《粉紅色的梨樹》1888年，（80.5x59厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>《盛開的果樹》1889年，（50.5x65厘米）</h3><h3>關于這幅畫，梵高描述到："雨天中到處都是帶著些許淡淡的紫色和灰色的綠色"他嘗試著在綠草上用幾筆較長的油彩畫出雨天的意境。</h3><h3><br></h3> <h3>1890年4月梵高全身心投入了幾幅靜物花卉的創作中。他畫了玫瑰和兩幅大束的紫色鳶尾花。一束鳶尾花他用玫瑰作為背景，"另外的那束是要形成一種不同色彩交相輝映的強烈對比"他在給提奧的信中寫道。他提到的那幅畫就是這幅收藏于凡高博物館的這幅靜物。上圖：《鳶尾花》1890年，（92x73.5厘米）<br></h3><h3><br></h3> <h3>《圣保羅療養院的花園》1889年（73.5x92厘米）</h3><h3>1889年7月的兩次癲瘸病發作后，兩個月梵高不敢外出，怕再出意外。直到10月他才又鼓起勇氣外出作畫。11月初他完成了一幅"有著高大松樹的晚景"。關于這幅畫所表達的意境，梵高在給伯納德的信中總結道："你是理解的，紅赭色與通過勾出輪廓的灰色和黑色條紋加深的綠色的組合，激起了一種極度痛苦的感覺，即所謂的煩惱"，我的一些病友經常受到這種感覺的折磨。"</h3><h3><br></h3><h3>正如梵高經常所做的那樣，他又以此為題畫了第二幅油畫，就是現收藏于梵高博物館的這幅。與在現場創作的第一幅作品相反，這幅同主題的畫則是在畫室里完成的。可能經過深入思考后才完成的這幅畫，因此在顏色的使用以及筆觸上更系統化了。</h3><h3><br></h3> <h3>《圣母憐子圖》（臨摹德拉克洛瓦作品）1889年，（73x60.5厘米）</h3><h3>這幅畫的創作源于一次意外的事故，"德拉克洛瓦的圣母憐子圖的石版畫和其他幾頁畫掉到了油彩顏料中，被損壞了，我很難過，我現在正在畫這幅畫，以后你會看見的"。他繼續寫到："我不是冷淡的，這幅受難畫中的宗教思想使我得到很多安慰"。</h3><h3><br></h3> <h3>1889年底梵高取得了一個小小的成功，他的幾幅作品在巴黎的第五屆獨立藝術家畫展中( Societe des artistes independants)及在比利時的先鋒派畫家的畫展( Les vingt)上展出。1890年1月評論家奧瑞爾( Albert Aurier)撰文贊揚梵高的作品。</h3><h3><br></h3> <h3>1890年5月底梵高離開圣雷米并遷居至巴黎北部的鄉村奧維爾。雖然那時各方面對梵高作品一定程度的關注本可令其欣慰，但梵高卻失去了他最初的激情。"我感到一事無成"，他在給弟弟提奧的信中寫道"對于我來說，這就是我所接受的命運，并且它不會再改變了…"。</h3><h3><br></h3> <h3>在奧維爾，梵高的畫以深青色、藏青色為主。他一生中對于社會的不理解所作的抗爭，對于真善美所作的追求，還有生存中的苦惱與歡樂，似乎都孕育在了這天空的蔚藍色里面。</h3><h3><br></h3><h3>梵高由紐南的教堂開始，經過不同的時期，最后走到奧維爾教堂，完成了他生命和繪畫的旅程。 在梵高的許多作品中，顏料都涂得很厚實。像這種涂得厚厚的技法稱之為"厚涂法"（impasto），被許多印象派的畫家所采用。</h3><h3><br></h3> <h3>《奧維爾的教堂》1890，（74x94厘米）</h3><h3>在梵高生命的最后兩個月，貧窮和疾病領他走向徹底的絕望，因而這個時期梵高的作品也變得躁動不安，如下面這幅 《奧維爾的教堂》。連同其它奧維爾的茅草屋、奧維爾市政廳等視梵高在北方的童年和青年時的回憶，教堂呈現著紫羅蘭色調，彩色的玻璃窗上閃著亮光，紫色和橙色相間的屋頂映襯著純藍色的天空。</h3><h3><br></h3><h3>畫面的前面有著一些綠色植物和鮮花，粉紅色的陽光照射在地面上，這如梵高的《墓地和老教堂》等繪畫擁有著相同的表現手法，不過這里的色彩表現力更為強烈、豐盛。盡管教堂前面陽光照射，但教堂本身仍然坐落在自己的影子里，這里的教堂，既不反射光，也不散發光，象征著空洞和落后的說教。</h3><h3><br></h3><h3>在實物中融入自己的情感，并體現在作品中，而非一味地忠于客觀描述。豐富恰當的色彩則進一步加強了感情的表達，這正是梵高最終形成的特色。</h3><h3><br></h3> <h3>《墓地和老教堂》1885，（65x80厘米）</h3><h3><br></h3> <h3>《奧維爾市政廳》1890，（53x103厘米）</h3><h3>這幅畫同樣體現出梵高臨終前畫作中的躁動不安。</h3><h3><br></h3><h3>曾有150多位心理醫生試圖解釋為什么梵高會表現出自我傷害的癥狀。他們推測梵高被精神分裂癥折磨、患有可以引發精神病癥狀的卟啉癥、感染梅毒、被躁狂抑郁性精神病困擾，以及患有癲癇……。但是，梵高的才華卻是無法被解釋的。</h3><h3><br></h3> <h3>盡管這樣，在奧維爾的兩個多月中梵高仍努力地進行創作，出自那個階段的幾十幅油畫和素描可以為證。然而梵高感到生活太沉重了，同年7月27日他向自己的胸部開了槍并在兩天之后離開了人世。將梵高最大部分作品收集在巴黎的提奧也于半年后去世。提奧的妻子帶著所有收藏回到了荷蘭，并努力使梵高的作品得到承認，這在她看來是梵高應該得到的。</h3><h3><br></h3><h3>1914年，當梵高的作品得到了廣泛贊賞時，她出版了兩兄弟間的通信。從那時起梵高的作品就與畫家奇特且帶有悲劇色彩的一生緊密地聯系在一起了。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高生前只售出過《在亞爾的紅葡萄園》這一幅油畫作品。他在死后 11 年才真正成名，這全靠弟弟提奧的妻子約翰娜·邦格的努力。邦格整理了梵高的全部畫作和書信，并一生為梵高的名譽奔走。</h3><h3><br></h3> <h3>《午睡》1890，（73x91厘米）</h3><h3>米勒是法國最偉大的田園畫家，一位現實主義大師。梵高一向對米勒推崇備至，他對米勒的敬仰終生未改。梵高像米勒一樣關注世人疾苦，內心蘊藏著深厚的愛，并借助作品來傳達愛。</h3><h3><br></h3><h3>梵高對米勒畫作 的臨摹和再創作，人們能夠體會到二者對同一主題的不同理解和不同表現手法，也能看出兩種繪畫風格的鮮明對照。從兩兩對應的作品中，既可以領略梵高是如何將米勒的簡練、樸素、凝重演繹成梵高的色彩鮮明、生氣勃勃、狂野奔放。</h3><h3><br></h3> <h3>《烏云密布的天空下的麥田》1890，（50x101厘米）</h3><h3>這一幅與"麥田群鴉"、"多比尼花園"是梵高在奧維爾所作的最后三大作品。梵高在寫給母親的最后一封信中提到這幅畫時說："我正埋頭作一幅以像海那樣廣大的丘陵作背景，有黃色與綠色微妙色彩的廣漠麥田的畫。這一切存在于青色、白色、粉紅色、紫色等色調的微妙天空之下。我現在非常的安寧、肅靜，可以說很適合于作這幅畫。"</h3><h3><br></h3><h3>同"麥田群鴉"比較起來，這幅畫含有深深的冥寂，好像要呑沒梵高的一切。在地平線那一端所表現，不再是德倫特時期作品中可以看到的靈魂的憧憬，而是要將他的身心召回的凄病態而恐怖的壓迫感。</h3><h3><br></h3><h3>似乎是要突出表現奧維爾得天獨厚的富饒的自然條件，這些橫長形畫面上的構圖一般都是側邊敞開并且延伸的余地。除了多比尼家花園那個隱蔽處，其他作品的的場景基本上都沒有圍欄之類的東西。田野是自然的存在它們不屬于任何人，大地看起來廣袤無垠。暮色蒼茫的氛圍顯得頗有浪漫色彩，這蒼茫的暮色籠罩著奧維爾莊園的田野。</h3><h3><br></h3> <h3>《暴風雨中的麥田》1890年，（50x100厘米）</h3><h3>梵高曾幾次以這種不同尋常的、扁長的畫布規格（50x100厘米）描繪麥田的風景。關于這些作品他向提奧敘述道："憂郁的天空下寬闊無邊的麥田，我有意在此強調那種悲蒼與極度的孤獨"。"我幾乎可以肯定，這些畫中有著我無法用言語可以表達的內容，尤其是鄉村給我的充滿生機和歡愉的感受"。</h3><h3><br></h3> <h3>《嘉舍醫師的畫像》（Portrait of Dr. Gachet）1890，（67x56厘米）</h3><h3>是梵高最著名的作品之一，當時他已住進精神病院接受保羅·嘉舍醫師的治療。1990年5月15日，此畫以8250萬美金創下有史以來藝術品拍賣最高價格。</h3><h3><br></h3><h3>嘉舍醫師生于1828年，死于1909年，是一位精神科醫生，與許多印象派畫家有交情，他自己也作畫，并收集許多美術品，尤其是印象派作品。梵高在信中記述他們初次見面的情形，說他給人一種與眾不同的印象。以嘉舍醫師為模特兒的肖像畫，有油畫兩張，版畫一張。關于這一幅，梵高認為與他在圣·雷米時期所畫的自畫像同調，而彎曲螺旋式的線條，則與阿爾時期的肖像畫中單純化色面可視為一體，正可以表明嘉舍醫師沉郁、心煩的情緒。</h3><h3><br></h3> <h3>《麥田群鴉》Wheatfield with Crows, 1890，（50.5x103厘米）是梵高臨死前的幾幅作品之一，描繪的是法國瓦茲河上奧維爾鎮周圍鄉下麥田的情景。在這幅畫上仍然有著人們熟悉的他那特有的金黃色，但它卻充滿不安和陰郁感，烏云密布的沉沉藍天，死死壓住金黃色的麥田，沉重得叫人透不過氣來，空氣似乎也凝固了，一群凌亂低飛的烏鴉、波動起伏的地平線和狂暴跳動的激蕩筆觸更增加了壓迫感、反抗感和不安感。</h3><h3><br></h3><h3>畫面極度騷動，綠色的小路在黃色麥田中深入遠方，這更增添了不安和激奮情緒。也許這幅畫是作者在極力表達內心的孤獨與壓抑，就如畫面上的麥田被烏鴉壓住的感覺，金黃色的麥田表現出勃勃的生機，亦如作者內心生的欲望。看到這幅畫給人以震撼的感受，它在表達著一種思想，也在宣泄著這種悲劇的情感。</h3><h3><br></h3><h3>這幅畫運用了大量的短線條，并主要用了藍、黃、紅、綠四種顏色來描繪景物。用深藍色和黑色來表現天空，與一群從遠處飛來的烏鴉相襯，給人壓抑的感覺，并有不祥之兆。天空下麥田的黃色與藍色 形成對比，田間的小路也以紅色與綠色形成對比，有強烈的矛盾沖突的感覺。大量短線條表現出了躁亂激烈的內心。作者在這幅作品中傾注了大量感情，在相當程度上表現出了自己掙扎的內心世界。</h3><h3><br></h3> <h3>《黃昏的景色》1890年，（50x101厘米）</h3><h3>1890年7月初，梵高到巴黎的弟弟家小住。他在巴黎結識了法國藝術評論家奧瑞爾，他曾于1890年1月寫過文章贊揚梵高在布魯塞爾展覽會的參展作品。他也對梵高在同年巴黎第五屆獨立藝術家畫展的參展作品作岀過積極的評價。盡管獲得了這些日益增多的贊譽，凡高仍然感到他不是一個成功的藝術家。</h3><h3><br></h3><h3>他趕回奧維爾，畫了這幅充滿濃郁氣氛的油畫。這幅畫描繪的是在夕陽剛剛西下時奧維爾城堡周圍的景色。梵高這樣描述著："黃昏的情景：已變黃了的天空、麥田以及由深色樹葉包圍著的紫色的城堡所襯托出兩棵全黑的梨樹"</h3><h3>畫作背景中藍色奧維爾城堡的后面就是梵高自殺的地方。</h3><h3><br></h3> <h3>《樹根》1890年，（50x100厘米）</h3><h3>梵高在自殺當天所畫的是林中風景，"充滿了陽光和生命力"的《樹根》。還沒完全畫完，或許是有意為之，以示告別。畫中的一些榆樹似乎快要從石灰墻邊倒下，樹根已經松垮，死亡在所難免。梵高是不是在描繪自己的境況呢？</h3><h3><br></h3> <h3>聽說梵高自殺消息后，多位藝術家紛紛向提奧致信表達驚詫與哀思。只有昔日朝夕相處的高更，沒有對梵高的死感到特別意外。"不管人們對他的死感到多哀傷，我并沒有特別悲痛，因為我早就預料到了。我知道他苦苦地掙扎，想要與自己的瘋狂抗爭。死亡對他而言反而是好事，他終于不用再被折磨了……"</h3><h3><br></h3> <h3>8月1日，悲痛中的提奧提筆寫信給妻子：" ……就這樣一切都結束了……我很想念他（梵高），所有的東西似乎都無時不刻不令我回想起他"。經受不住兄弟去世的巨大沖擊，罹患麻痹性癡呆的提奧在僅僅6個月后也與世長辭，時年33歲。1903年，貧病交加的高更則在大溪地希瓦瓦島逝世。和為他失去耳朵的梵高一樣，高更直到死后才開始揚名。</h3><h3><br></h3><h3>在梵高多年窮困潦倒、身心備受折磨的生活中，提奧一直是梵高最重要的家人、朋友和支持者。而高更是梵高在藝術創作上的重要交流對象，彼此的賞識讓梵高很高興，高更的出現也給梵高一直壓抑的生活中帶去了一點歡躍的氣息。在梵高短暫而燦爛的十年藝術生涯里，提奧和高更也許比誰都更靠近梵高那融在畫作中的、當時幾乎無人理解和在意的心靈。</h3><h3><br></h3> <h3>梵高在遭受槍傷2天后去世，畫面中呈現了他彌留時的狀況。臨終的時候，他留下膾炙人口的名言："這苦難啊，永遠也不會終結"。（圖片來源：《情謎梵高》劇照）</h3><h3><br></h3> <h3>梵高一生的摯友弟弟提奧在6個月后也隨哥哥而去。他們并排葬在了法國的奧維爾，梵高從此再也不孤獨了。</h3><h3><br></h3> <p class="ql-block">梵高是一個瘋狂的天才，其實天才總是和瘋狂脫不了干系的，只有了解了他的瘋狂，才能洞悉這個苦難的、孤獨的生命背后隱藏的真正意義。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">拜謁了梵高那些曠世之作以后，我終于明白了：我們愛上的不是他的人格，也不是他的畫作，更不是他相伴一生的苦難，而是他的偉大。再見了，永遠的梵高！</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">文字、攝影 – 報子胡同（文字及圖片版權歸作者所有，引用請注明出處，謝謝閱讀）</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">作者的其他美</p><p class="ql-block"><a href="https://www.meipian9.cn/3k1f83qa?share_from=self" target="_blank">歐洲藝術之旅：凡爾賽的秘密</a></p><p class="ql-block"><a href="https://www.meipian9.cn/21h7zymg?share_from=self" target="_blank">歐洲藝術之旅：盧浮宮漫游記</a></p><p class="ql-block"><a href="http://www.xsjgww.com/1k847apx" target="_blank"> 大英博物館里的中國文物</a></p><p class="ql-block"><a href="https://www.meipian9.cn/2uyvbkj8?share_from=self" target="_blank">大都會博物館里的中國文物</a></p><p class="ql-block"><a href="http://www.xsjgww.com/1f2eocgq" target="_blank"> 巴黎圣母院</a></p><p class="ql-block"><a href="https://www.meipian9.cn/3apm8un1?share_from=self" target="_blank">五百年一遇的天才，達·芬奇</a></p><p class="ql-block"><a href="http://www.xsjgww.com/2xoo4e5l?share_from=self" target="_blank">拒絕“現代文明”的美國阿米什人 Amish</a></p><p class="ql-block"><a href="http://www.xsjgww.com/1fqnufvr?share_from=self" target="_blank">離開梵蒂岡一個世紀的羅馬教廷去了哪里？</a></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p>
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